¿QUÉ ESTAMOS ESCUCHANDO? ...

Bueno, Sinopoli (con perdón de Robertino) con Dresden, hace el primer movimiento en 18'12". Cuanto menos le pisa los talones a Luisi y seguro le gana a Chailly (18'10"). Si no fuera por Svetlanov, uno diría que los italianos siempre quieren tener-la más larga

¡¡Atención!! La Cuarta por Farberman ofrece un primer movimiento ejecutado en 18'42"... Tiembla Svetlanov...

Y seguro que habrá alguna más lenta aun

Robertino Bergamasco escribió: ..., y hubo propina, muy raro después de una Sinfonía de Mahler, la Azerbaijan Love Song, de las Folk Songs de Berio... antológica.

¡Chincha, rabiña!, ¡Chincha, rabiña!.

Eso se lo hemos oido en vivo a la mismísima Cathy Berberian con el mismísimo Berio.

Perdonadme el arranque, pero es que, al leerlo, me he emocionado al recordar ese concierto de la OSRTVE que estuvo de PM. Teníais que haber visto a la Berberian el vestido que llevaba -parecía una gitana azerballiana- y que, expresamente, sacó un largo pañuelo y se puso a bailar esa canción con una gracia a sus ¿60? años, que ya quisieran muchas. ¡Inefable!.

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Como no soy tan baby como RB sí me acuerdo del concierto, de hecho cada vez que leo Folk Songs de Berio me viene a la cabeza la Berberian. En Radio 2 y en Clásicos Populares era una de las obras habituales en la grabación de ese concierto. Se ve que a Fernando Argenta tamabién le había impresionado

Sí, please súbelo a youtube!

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Bravo por los comentarios... y por recordarnos ese concierto inolvidable. En de Waart coincido en muchos aspectos. ja, ja, bravucona califiqué a Margiono en este CD peor lo cierto es que técnicamente se mueve como pez en el agua. Lo que más me gusta de esta versión es el primer movto y lo que menos el 3º. Lánguido, desolador lo califico, muy atractivo sin duda, pero que en su construcción global no acaba de resultarme convincente.

Pues aquí va una nueva y prometida entrega de mis tres penúltimas audiciones. Como decía hace ya un par de semanas las tres gentileza de Bergamasco:



En el momento de realizar su primera grabación de La Canción de la Tierra Lorin Maazel llevaba a sus espaldas más de medio siglo dirigiendo la obra. Lamentablemente no demuestra en esta grabación la experiencia atesorada. Sólo salvaría de este CD a la voz de Ben Heppner, a la vez noble y lírica en un equilibrio ideal para la obra. La dirección de Maazel en absoluto cómplice con el tenor lo único que hace es restar brillantez a su intervención. Pero todo hay que decirlo, no es el caso del primer Lied en el cual ni la levedad de Maazel ni la simple corrección de la orquesta no son tan palmarias como en el resto de la obra. En “El solitario en otoño” sin embargo el terrible balance orquestal y la pobreza de matices del viento –acentuados por la ligereza del tiempo- contagian su monotonía a Waltraud Meier quien por encima ofrece una pobre dicción. IV y VI adolecen de los mismos fallos. Parece imposible que director, solista y orquesta de ese nivel puedan ofrecernos un Abschied tan plano. Sólo salvaría el interludio orquestal entre los dos poemas; de una interesante lánguidez. Y volviendo a los Lied masculinos, una vez más Heppner lo más destacado; en el 3º impecable en lo técnico y dando vida al texto (a pesar de la indiferencia orquestal) y en el 5º lidiando con el Maazel más circunspecto. Más que el borracho en primavera parece estar dirigiendo el preludio a la siesta de un fauno por lo soporífero y anticlimático del acompañamiento. Debe ser uno de los más lentos de la discografía. Sin embargo no deja de tener su miga.



Muy difícil de encontrar La canción de la tierra de Solti. Gracias, Bergamasco. El documental mahleriano de la BBC es el responsable de algunas interesantes tomas de la obra que desde luego animan a escucharla. A esta del 72 seguiría una ¡20 años posterior! con el Concertgebouw que realmente me ha animado a conseguir de segunda mano por la web. Cuando la tenga ya os contaré. De momento esta grabación de 1972 ofrece una delicia de toma sonido y una orquesta exuberante que si en algunos momentos no resulta todo lo refinada que debería no es obviamente por culpa de los músicos. René Kollo, uno de los más celebres Tristanes, es uno de los alicientes de la grabación. Está especialmente acertado en el 5º Lied, una lectura pletórica, desbordante; en el primero le perjudica el que los ingenieros o el director no hayan logrado un buen equilibrio con la orquesta la orquesta sin embargo y finalmente en el 3er Lied su interpretación, estridente, desquiciada, está claramente errada. Yvonne Minton también ofrece una interpretación irregular; mucho más irregular sin duda: en el solitario en otoño bastante plana, apenas transmite, tampoco se encuentra cómoda en el 4º Lied y sólo en el Abschied resulta atractiva esa mezcla de indefinición y frialdad. En aquellos momentos que intenta sobreactuar el resultado es discutible. En cuanto a Solti se podría pensar que debería pasar como una apisonadora por este delicado pentagrama y sin embargo no es así. Sólo en el 2º y 3er Lied nos resulta algo superficial, sin convertir la música en trivial, pero sin conseguir emocionarnos. En el primer Lied explota sin embargo al máximo la sonoridad espectacular de Chicago, en el y 2º, 3ª. El climax orquestal del IV es de una violencia nunca vista y en el 5º como decía se mueve como pez en el agua. Y el Adiós, pues bastante aceptable, es una lectura sensible, sutil, no excesivamente dramática pero que engancha sin duda, un notable alto en este movimiento.



Una Canción de la Tierra que en su portada cuenta con las fotos de James Levine, Siegfried Jerusalem y Jessye Norman seguro echará para atrás a la gran mayoría de los mahlerianos. Es más, sin duda el mayor aliciente será la orquesta, ni más ni menos que la Filarmónica de Berlín. Y sin embargo tras escuchar el CD llego la conclusión que es la orquesta la que sale peor parada mientras que solistas y director se convierten en el mayor atractivo de esta grabación. El problema de la Filarmónica es por un lado la discreta toma de sonido, correspondiente a un concierto en vivo, aunque aparentemente con edición –como a los 30 segundos del 2º Lied una mínima interrupción en la frase del oboe parece indicar- y por otra parte la inevitable comparación con las versiones oficiales de la misma obra protagonizadas por la orquesta; la de Karajan y sobre todo la de Giulini, impecables en lo orquestal. En esta versión de Levine aunque la orquesta por supuesto no es nunca un problema se echa de falta en determinados momentos un mayor refinamiento y sobre todo una mayor implicación de los músicos. En cuanto a los cantantes, Jerusalem brilla especialmente en el 5º Lied; es sin duda el que mejor le viene. El acompañamiento de Levine, muy teatral, ilustrando el texto con una riqueza de contrastes y matices contribuye a conseguir lo que es el mejor momento de la grabación. A diferencia de Kollo en Von der Jugend Jerusalem sabe regular su torrente de voz, exhibiendo una gran calidez. Sólo en el 1er Lied saca a relucir esa tosquedad en el forte que por cierto estos días le sufrí en su Sigfrido de Bayreuth en DVD. Pero en los pasajes líricos exhibe una atractiva musicalidad. Y Jessye Norman inevitablemente va a provocar reacciones extremas; me sitúo más cerca del amor que del odio, especialmente en base a su Abschied. Rapsódica, totémica, en algunos momentos estremecedora. Como en Jerusalem su exceso en los agudos es su principal problema. Esto me hace pensar que al ser una grabación en vivo ambos cantantes fuerzan más la voz de lo que lo harían en el estudio. No es lo mismo estar cantando cómodamente en el estudio que intentar llenar la Philharmonie haciéndose oír por encima de tamaña orquesta. Levine, el tercer ingrediente de esta portada, como los otros dos provocará reacciones de todo tipo. Para mi ha sido reveladora su aportación, especialmente por esa teatralidad que confiere a la interpretación. Es como si hubiese aplicado su experiencia en el foso operístico a esta sinfonía. Tal vez en algún momento se excede; por ejemplo en el verso Wohin ich gehe? del Abschied, pero en otros muchos, como los citados 3er y 5º Lied o primera parte del 6º consigue una cohesión entre el texto y los músicos (tanto el cantante como la orquesta) que pocos directores alcanzan. Por cierto, Robertino me ha llamado la atención del tiempo transcurrido desde la celebración de este concierto y su edición en CD; extrañísima.

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Robertino Bergamasco escribió:Non hay por que dar las gracias Psanqy, mi discoteca está siempre abierta.

Ahora que lo que yo me pregunto: ¿lo que me grabas lo metes en su cajita correspondiente, o traspapelas todos los cds, y luego te lías?... porque hay fastidiarse, de las tres que comentas, en ninguna coincidimos jajajaja

Gracias por los comentarios!!!

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Lo mismo digo, no hay de que; es lo mínimo, compartir mis impresiones aun sabiendo que van a ser distintas de las tuyas Me das una idea, la próxima vez efectivamente voy a cambiar las portadas y los comentarios, a ver si seguimos sin coincidir. Será un cata ciega de comentarios

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Y Jessye Norman inevitablemente va a provocar reacciones extremas; me sitúo más cerca del amor que del odio, especialmente en base a su Abschied. Rapsódica, totémica, en algunos momentos estremecedora.

Y yo lo digo ahora, Psanquin, un poco bajito por las dudas: yo amo directamente su Abschied con Colin Davis y la Sinfónica de Londres (Philips, 1982). Y no es lo único que amo de esa versión.

No conozco la versión pero seguro que Jessye Norman más juvenil estará mucho más pletórica que en la de Levine. No sé por que pero adivino que tambien amasla dirección de Davis. Sin ser un mahleriano acérrimo me gusta mucho en el Das Lied que tengo de él; el vídeo con Soffel y Riegel.

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La primera Séptima que Neumann grabó, en 1968 y con la Gewandhaus de Leipzig me ha resultado menos lograda que la 10 años posterior con la Filarmónica Checa. Es la de Leipzig una versión irregular que claramente va de menos a más. Así el primer movimiento es el más flojo, para mi gusto caótico. La inseguridad de la orquesta no se sabe si nace de los propios músicos o de las indicaciones del director, pero lo que está claro es que lo que Neumann tiene en su cabeza no es lo que está sonando. Por si fuera poco el trompa tenor tampoco se muestra especialmente seguro. Balances extraños, intervenciones crispadas… pero curiosamente la llegada al bellísimamente realizado meno mosso central es como un oasis que la reexposición convierte en espejismo. Nuevamente atolondramiento y falta de rumbo. La coda, intensa y elegante, no compensa desde luego las carencias del movimiento. Algo más refinado aunque igualmente nervioso resulta el mismo movimiento en la versión del 78. En la Nachtmusik I más de lo mismo, confusión y estrépito por momentos, superficialidad en otros. Aunnque la duración es prácticamente idéntica la Nachtmusik I de Praga está muchísimo más trabajada y cuidada de tal forma que aunque el planteamiento no difiere significativamente las realizaciones están a años luz de distancia. Afortunadamente ¡y sorprendentemente! los tres movimientos restantes son mucho más satisfactorios. En el Scherzo el nerviosismo del primer movimiento es ahora de lo más apropiado. Es una lectura agresiva, incisiva, moderna; más viva que la de Praga. La Nachtmusik II, serena, bucólica, no está carente de una interesante sensación de escepticismo en sus secciones más líricas. En este caso la diferencia entre ambas versiones es sorprendente ¡¡Cuatro minutos más dura la de Praga!! Y ya finalmente el Allegro ordinario final se abre con un solo de timbal un tanto perezoso que provoca unas primeras dudas que son al instante disipadas por una interpretación muy coherente en la que se combinan fuerza, desenfado e incluso en ciertos momentos una contención sabiamente aplicada. Esta flexibilidad en el tiempo está encuadrada en una evidente progresión en la que la tensión acumulada es disipada en una triunfal coda que no por esperada deja de asombrar. Escuchando interpretaciones así cuesta creer la supuesta dificultad para el oyente que muchos atribuyen a este movimiento. Es el único movimiento de los cinco en que preferiría la versión de Leipzig a la de Praga. En resumen una Séptima que efectivamente es un viaje de la oscuridad a la luz, tal como muchos han calificado en la obra, pero en este caso habría que decir que este viaje alcanza también a los aspectos interpretativos. Gentileza de Robertino ;-)



Como quiera que la única forma de hacerse con el Das klagende Lied de Haitink es en la actualidad volver a comprar su primera Tercera, la del ciclo Philips, tuve que pasar por el aro, en concreto en la tienda de Audiófilo, en Valencia, todo hay que decirlo animado por Ignorante, que ya desesperado con mi indecisión galaica se ofrecía gentilmente a comprármela él si no me decidía. Eso me decidió al momento ;-) No me arrepiento, pues aparte de ser una muy interesante Canción del Lamento ha sido una buena excusa para volver sobre el primer esfuerzo discográfico de Haitink con la Tercera. La friolera de cuarenta años separa a esta grabación de la reciente en el sello Chicago Resound. En muchos aspectos afines, en otros muchos dispares. Como comenté hace un par de años –como pasa el tiempo :-( - en la reseña de la Tercera de Chicago, Haitink se inclina en la actualidad por tiempos más dilatados, expansivos (3 minutos más lento por ejemplo el primer movimiento, 2’30” el sexto, etc) y, más significativamente, se decanta por interpretaciones mucho más pulidas, ¿civilizadas?, limando las aristas de la música, huyendo de sus fracturas. Esto acentúa algo que ya está presente en el primer Haitink y que creo que es una constante de todas sus interpretaciones, la claridad. Pero por supuesto la mansedumbre del Haitink maduro no está presente en el Haitink de los años sesenta y menos en una partitura con tantos registros como la Tercera. Aunque en más de una ocasión Haitink despliega su sempiterna sobriedad los contrastes están muy acentuados a lo largo de toda la interpretación (no siempre todo lo que me gustaría). Como digo el tono medio es muy bueno, Lo más original es sin duda el 2º movimiento –el único más lento que en la versión del 2006- muy leve y sugerente, por no decir etéreo. El tercero se inicia muy modosito pero en seguida cobra mucho más carácter. Sin embargo en los solos parece que se ha detenido el tiempo, muy evocadores y nostálgicos. Feroz la coda. En el 4º movimiento contar con Forrester es un lujo que Haitink creo que no aprovecha del todo; echo en falta un poco más de apasionamiento. Con otra cantante ese distanciamiento que busca hubiese sido más efectivo. Volviendo al principio, también en algunos momentos del primer movimiento es necesaria una mayor mordacidad. Y no es que no sea una interpretación incisiva, sin carácter… no quiero transmitir una opinión equivocada. Sólo que en momentos como en el segundo y el tercer solo de trombón o en la coda, no nos pone la carne de gallina como debería ser. Como sabéis para mi la prueba de fuego de cualquier Tercera es el final. En la reseña de la Tercera de Resound juzgué con una cierta dureza la aproximación de Haitink ¡en todas sus grabaciones! a este Adagio final. Ahora pienso que no sería tan categórico, pero lo cierto es que a este Adagio final, muy bien construido y con una perfecta articulación, simplemente le falta garra, ánimo, alma en definitiva. Una pena pues Haitink traduce el pentagrama a una construcción armoniosa, coherente, con sentido –cuantos directores pierden el hilo en este Adagio- pero lo cierto es que no consigue conmoverme. El tiempo es muy vivo, pero esto no es el problema, no hay ninguna sensación de apresuramiento, urgencia, pero ya digo el resultado final no es bueno. En resumen, la valoración que extraigo es similar, o más bien ligeramente más positiva de la que en su día hice de esta versión. Una muy notable Tercera.

En cuanto al klagende, obra en la que para mi y sin que sirva de precedente la referencia es Chailly, es una versión llena de hallazgos que creo otros directores –en las versiones que conozco, claro- no han aprovechado. Echo muchísimo en falta la primera parte de la obra; que pena que no la incluyese. De los cantantes Hollweg es el único que no me convence.



Curiosa selección de “retales” mahlerianos bien distintos en su cronología y en su estilo. La iconografía del folleto es de lo más éxtravagante y no sólo por que se centre reiteradamente en la imagen de Paavo Järvi sino por la forma en que las fotografías pretenden ser un remedo de la Gioconda y su famosa sonrisa. En cuanto a lo importante, la música, son los dos movimientos más breves los que reciben las lecturas más correctas. Aun así me hubiese gustado que el Blumine fuese más fluido. Todo muy bien colocadito, muy mono, pero algo estático. Lo dicho es también válido para la interpretación de la versión de Britten del segundo movimiento de la Tercera. Y en cuanto a los platos fuertes, muchas más reservas, especialmente en cuanto al Todtenfeier. Tengo la sensación que los directores quieren justificar la grabación de la pieza haciendo que suene lo más diferente posible de lo que es el Allegro maestoso de la Segunda Sinfonía. Y es que realmente las diferencias entre esta partitura y la versión final por si solas más que a otra cosa invitan a condenar la pieza al ostracismo. Jarvi ofrece una versión domesticada de la pieza, muy alejada de lo que habitualmente se entiende por esta pieza de juventud o por el propio Allego inicial de la 2ª. Largas pausas como la del calderón del cuarto compas (¡cuatro segundos!) que sin embargo en la reaparición de esta introducción no es realizada; un discurso lánguido, dilatado, carente de energía y de fuerza. La sección central ya por si sóla en la escritura de esta versión pierde bastante impacto como para encima anularla aun más. Tras el pesante, éste sin embargo rápido y expeditivo, la reexposición resulta especialmente soporífera. Y curiosamente la escala descendente final vertiginosa, que por incoherente con lo escuchado empuja a esbozar una sonrisa. Tras esta broma de Jarvi el Adagio de la Décima recibe una lectura más convencional con momentos de gran belleza y otros en que nos hubiese gustado que Jarvi hubiese experimentado más con los tiempos. Pero toda la originalidad la empleó en el Todtenfeier y al final la sensación es que hemos escuchado una interpretación más políticamente correcta que otra cosa.

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Pocas audiciones mahlerianas estas últimas semanas aquí comparto mis impresiones de las tres últimas :



No muchos directores han tenido la oportunidad de grabar La canción de la tierra con dos orquestas del nivel de Chicago y del Concertgebouw. Con un poco de suerte Haitink pronto emulará a Solti. Aunque la friolera de 20 años separan a las dos canciones de la tierra de Solti, su planteamiento no ha variado en lo esencial. Incluso los tiempos de los movimientos son muy similares, en ocasiones idénticos. Esta grabación con el Concertgebouw coincidió con una gira que hicieron orquesta y director el mes de diciembre del 1992 y que curiosamente les llevó por por España. Creo que por desgracia no habían interpretado la obra de Mahler en la gira, pero sí la grabaron para Decca en condiciones Live.

El principal problema con esta versión está en los cantantes. Thomas Allen se sitúa en un peligroso medio camino entre el tenor heroico y el lírico; y por encima el timbre de su voz no es especialmente atractivo. Por esto no deja una especial huella en el caballo de batalla del primer Lied. Se le nota tenso en el III, pero sin embargo en el V, apoyado en una excelente dirección hace una interpretación mas valiosa. En una primera escucha el acompañamiento orquestal me pareció un tanto displicente. Pero en escuchas repetidas la sensación fue más positiva. El sonido es muy bueno para ser vivo y la orquesta está a un gran nivel. Pero Solti en vez de exprimir hasta la última gota de musicalidad de cada frase, como hace por ejemplo un Horenstein, hace una lectura mucho más fibrosa. Es puro nervio. Me gustaría saber como fue realmente la química entre Solti y los nada fáciles músicos del Concertgebouw (especialmente en Mahler de quien se consideran testaferros). Marjana Lipovsek, una cantante a la que aquí disfrutamos en la Segunda de Mahler, resulta algo decepcionante en “El solitario en otoño”. La competencia es desde luego de primerísima línea y ella no está a la altura ni técnica ni interpretativamente de ilustres colegas como por ejemplo en esa época Fassbaender. Su registro es más adecuado para el IV Lied. En el Abschied se echa en falta una mayor profundidad. En los pasajes más líricos se encuentra sin duda más cómoda. Por último nuevo comentario elogioso para el Abschied de Solti; orquestalmente ha aparcado los nervios del primer movimiento para realizar una traducción sentida, intensa, en algunos momentos sin embargo sorprendentemente objetiva ¡¡Nunca deja Solti indiferente en este movimiento!! Como curiosidad, el arranque es el más violento que conozco, sin duda. Tremendamente fatalista.



La Sexta de Tennstedt en LPO Live es una auténtica grabación en vivo, sin trampa ni cartón. Es algo de lo que pocos sellos Live pueden presumir –el ejemplo más extremo es la Quinta de Jansons en RCO en la que las tomas están distanciadas meses. Esta Sexta fue grabada en los Proms en 1983 y, empezando por el final, está marcada por un bravo prematuro que se come literalmente el pizzicato final pues arrastra los aplausos de un público entusiasmado con la interpretación e imagino que con la obra. Y es que es una Sexta electrizante, prácticamente de principio a fin. Se dice y decimos que Tennstedt gana en vivo y éste es un excelente ejemplo pues la Sexta oficial del ciclo en EMI, aunque unos meses anterior no produce semejante impresión. El sonido radiofónico, de la BBC lógicamente, tiene una gran presencia e impacto, aunque en ocasiones resulta algo confuso. Se inicia con gran energía en el primer tema, y un curiosamente crispado e impulsivo tema de Alma. La energía desplegada en el desarrollo la convierte en una lectura feroz, enfática, aunque el lento central es muy delicado, evocador. El retorno de la marcha inicial, uno de los momentos más titánicos del movimiento, no resulta tan sobrecogedor como en otras versiones, ¡y es que es imposible imprimir más energía de la que Tennstedt ya ha liberado! La reaparición del tema de Alma ya resulta más lírica a (18’22”) y lánguida a (21’56”). Quiero insistir en que aunque es una versión enérgica está llena de matices. El segundo movimiento, el Scherzo, es coherente con el I. No es precisamente el refinamiento lo que lo define. Incluso en los tríos es una versión arrebatada, desgarrada. Después de tanta tensión parece difícil serenarse pero Tennstedt lo consigue y el Andante se construye sobre frases largas que le confieren una atmósfera naive. El desarrollo es más reticente y el clímax, construido lentamente en su culminación se muestra nervioso. En el Final determinados aspectos se ven atenuados para mi gusto. Surge la duda de si se debe a la toma de sonido o realmente es lo que busca Tennstedt. Así las frases de la tuba en la introducción están algo suavizadas y el ejemplo más claro, los golpes de martillo; decepcionantes por lo amortiguado. Es curioso como la tensión en este movimiento es inferior a la primera mitad de la obra; estamos ante un infrecuente gradiente inverso. El mejor momento, el crescendo final hacia el tercer clímax del movimiento es grandioso en su construcción inicial, muy lenta y solemne. Y finalmete la coda constituye un colofón extraordinario, como decía estropeado por la intervención de un vitoreador precoz.



La Segunda de Gergiev en LSO Live la he escuchado acompañándola movimiento a movimiento de la retransmisión televisiva de la BBC (gentileza de producciones musicales bergamascas). Su primer movimiento tiene dos partes bien diferenciadas, justo las delimitadas por el Molto pesante central. En la primera de ellas la lectura ha sido una grata sorpresa. Intensa, pero no atropellada. En el peor de los casos podría decirse que es una interpretación un tanto nerviosa en los pasajes más virtuosísticos. Pero lo que podría ser un problema Gergiev lo convierte en acierto. Los pasajes más reposados, como la pastoral Beruhigend (nº6) nos muestran sin embargo a un Gergiev infrecuentemente relajado, que deja respirar a la música. El crescendo central aunque a un tiempo ligeramente acelerado resulta de gran impacto. Buena parte de la culpa es de la orquesta, especialmente entregada, como evidencia la retransmisión de la BBC. Sin embargo la segunda parte del movimiento –que se inicia en la reexposición- es la otra cara de la moneda. Parece que la tensión se ha relajado y asistimos ahora a una lectura precipitada, superficial, en la que la sensación es que todo ha sido ya dicho. La poderosa y asombrosa construcción del tempo sostenuto carece del más mínimo impacto en esta versión y la escala final, relativamente controlada, resulta incoherente con el discurso previo.

Nada que objetar al segundo movimiento salvo que se echa en falta en momentos concretos un mayor carácter por parte del viento-madera. Aunque la calidad del sonido es inferior lógicamente en la señal televisiva, se aprecian en ella sin embargo y curiosamente una mayor riqueza de matices en esta sección. El tiempo es vivo y los ataques incisivos. Sería deseable una mayor mordacidad en el ostinato de la cuerda acompañada por la flauta o en el Sturmisch. Pero desde la sección en pizzicati la versión resulta más satisfactoria en ese aspecto y el balance final es bueno.

El Scherzo es el mejor momento de la versión. Aunque se inicia de forma misteriosa -con unos contundentes timbales- al momento Gergiev lanza a la orquesta a un vertiginoso movimiento perpetuo en el que éste consigue lo más difícil, que no se resienta la claridad ni la riqueza tímbrica. En momentos cómico, en otros sorprendente, de lo que no podemos calificarlo desde luego es de romántico. El episodio central es de los más gélidos que he escuchado. La explosión orquestal previa a la coda es brutal, rozando lo excesivo, pero Gergiev no hace otra cosa más que emparentarla con el final. En este caso no hay la más mínima queja de las distintas secciones orquestales, y en cuanto a la percusión, en este caso la grabación en primerísimo primer plano de la misma –típica de este ciclo- resulta de lo más adecuada.

También magnífico el Urlicht. La mezzo Bulycheva hace una lectura sobresaliente. Es curioso por que su voz, profunda y oscura hasta lo sobrecogedor en el CD, en la grabación de la TV resulta más convencional ¿Manipulación del productor? Probablemente. Al margen de esto su musicalidad es excelente; en la primera parte aporta un punto de apropiada ingenuidad y ya en la segunda la ansiedad en la plegaria a Gott está muy bien recreada.

Sobre el final me detengo menos pues para mi sorpresa es el movimiento menos acabado. Decepcionante el arranque con un crescendo inicial de la cuerda excesivamente vertiginoso y por encima machacado por la exageradísima percusión. Aunque la duración del movimiento no daría la idea de ser una lectura rápida, el dato es engañoso pues Gergiev abusa de largas pausas que contrastan con el conciso discurso; expeditivo y demasiado episódico. Orquestalmente menos convincente –por no citar las pifias en la retransmisión en la tele. El pianisimo inicial del coro no es especialmente cuidado pero sin embargo la gradación dinámica hasta el éxtasis final está muy bien llevada por el director. Es una pena que Gergiev, en un tiempo global vivo, no muestre la flexibilidad necesaria para introducir los matices que la partitura pide. En resumen una segunda irregular, con momentos valiosos y otros fallidos. No de referencia pero al menos digna de ser llevada al CD.

El doble CD se completa con un emparejamiento bastante infrecuente, el Adagio de la Décima. No es una lectura especialmente afortunada. Bellas las violas en la introducción; evocador y lírico –sin caer en lo sentimental el primer tema- y sin embargo el problema llega con el segundo tema que es presentado y reexpuesto posteriormente de una forma atípica; muy contrastada, crispada, a mi gusto poco musical. Tal vez sea necesario acostumbrarse a ella pero lo cierto es que a mis oídos le resta carga emocional a la obra. Ni la reaparición de tema lírico ni la explosión orquestal encajan en este planteamiento peculiar del ruso.

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Gracias por avisar Robertino Sí, obviamente Thomas Moser.

No recordaba esa opinión tuya sobre la Bulycheva. Se lo pondré a Maga que con las cantantes es de lo más duro. A ver que le parece

Pues no me ha servido de mucho. Dice que no le dice mucho pero que casi ninguna le dice mucho...

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Dice que lo canta, pero que tienes que dirigir tú

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